NATALIE PORTMAN EN EL HÚMEDO RESERVADO DE "CLOSER"

Natalie Portman, nunca me gustó demasiado esta actriz, su cara de no haber roto nunca un plato y su expresión suave y frágil nunca me captaron demasiado. Odio la trilogía moderna de Star Wars, por lo tanto odio todo lo que hizo Natalie emperifollada con tocados imposibles y maquillajes decididamente sonrojantes.

Pero 'ete aquí' que la Portman sorprendió a propios y extraños con un papel que se salía de sus propios esquemas, o mejor dicho, del 'casillero' en donde se encontraba desde hacía ya mucho tiempo. "Closer" es un peliculón, así de claro, siempre la relacioné con el imaginario de Woody Allen por aquello de las relaciones imposibles y el extraño y retorcido mundo de las relaciones sentimentales pero llevada al extremo, digamos que "Closer" sería la versión 'gore' de cualquier trabajo de Allen en los 70.

Natalie Portman aquí se muestra en un papel maldito, relegada a un segundo plano, maldita, martirizada por ser segundo plato de un amor imposible y era esto lo que yo buscaba en ella, que saliese su cara 'B' en todo su esplendor. Su faceta destructiva pero también su faceta SEXUAL que siempre pensé que tendría pero que no se mostraría de una manera tan 'IN YOUR FACE' como se muestra en el film. Todavía recuerdo la primera vez que ví esta escena en el cine, mi boca estaba medianamente abierta y pensé en aquel momento si me estaba dejando llevar por 'la chicha' mostrada y no me estaba dando cuenta de si la Portman era creible. Desde luego que mi boca no se equivocaba, todo era tremendamente real, la actriz encajaba perfectamente como 'stripper' calentorra y sus insinuaciones y sus movimientos calculadamente gatunos en ese caluroso reservado son para quitarse el sombrero.

No me enrollo más, deguste querido/a lector/a uno de los momentos más 'hotty' del cine actual con unas miradas que son incluso más sexuales que el propio lenguaje corporal que se gasta la Portman.

Ya lo decía uno de mis mejores amigos de la infancia cuando fuimos a ver "Leon, (El profesional") con una Natalie todavía niña: "...esta niña me está poniendo de la hostia!!, de aquí a unos años 'me la pido'...".

¡Y vaya si acertó!!

MONSTER MAGNET, TOUR DE "DOPES TO INFINITY 2011" Y "DOPES"

Hacía mucho tiempo que no le seguía la pista a Monster Magnet y veo y confirmo que todavía siguen vivitos y coleando, a lo suyo. Dave Windorf siempre ha sido un superviviente pero también un currante y siempre tiene viva a la banda de una manera u otra.

En este caso, el tour europeo homenajeando uno de sus discos claves, "Dopes to Infinity", parece haber sido todo un éxito de crítica pero sobre todo de público y que no hemos podido disfrutar en la piel de toro. Alemania se ha convertido en un bastión ha cuidar muy mucho porque casi la mitad de las fechas de la gira son de ciudades germanas pero, bueno, lo que importa es que seguimos teniendo a los de Windorf dando señales de vida tras el desafortunado abandono de Ed mundell y quizás esta gira se esté convirtiendo en la confirmación de que Phil Caivano como nuevo lider en el apartado instrumental.

Se han sacado de la manga el Ep en vinilo "DOPES" que no es ni más ni menos que la reinterpretación en el Studio 13, el estudio de Wyndorf y Caivano, de "King Of Mars", "All Friends And Kingdom Come" y el título homónimo del album, "Dopes To Infinity". En fin, una golosina para disfrutar para todo 'die hard fan' de la banda y que no deja de ser un acompañamiento discográfico para este gira (en principio únicamente se podía adquirir en sus conciertos, ahora ya no) que ya es historia.

Os dejo uno de sus temas clave y título homónimo del disco "Dopes To Infinity" en el club KOKO de Londres el pasado mes de Diciembre. Joder!, todavía se me pone la piel de gallina con este tema, copón!.



Tampoco puedo dejar pasar una de sus últimas actuaciones, ya en 2012, que también confirman y corroboran que Monster Magnet no sólo intenta vivir de las rentas de sus discos más exitosos sino que han vuelto a una gira normal, ¿Significará que están calentando motores para una posible entrada en el estudio?, ¿Phil Caivano estará a la altura de Mundell (el tema "Dig That Hole" no estaba nada mal, pero...)?, en cualquier caso a estas preguntas sin todavía una respuesta clara son saciadas viendo a la banda defendiendo como posesos sus canciones encima de un escenario, y sí, Wyndorf está generosamente grueso pero ¿Acaso importa si sigue quemando guitarras y desgastándose en cada concierto?.




TEMPLE OF THE DOG "TEMPLE OF THE DOG", EL ALMA DE CHRIS CORNELL HECHA DISCO.

El tiempo pasa demasiado rápido y ya hace algo más de veinte años que se publicó "Temple Of the Dog", el disco tributo/homenaje póstumo que le dedicó Chris Cornell a su compañero de piso y mejor amigo Andrew Wood.

Hacía muchísimo tiempo que no volvía a sumergirme en un album tan especialmente bello pero tan doloroso y sentido como este.

La historia ya la conocéis todos, Andrew Wood (Malfunskun, Mother Love Bone) muere de una sobredosis de heroina y su amigo Cornell se siente especialmente inspirado para exorcizar su dolor a través de canciones mucho más personales e instrospectivas que lo que estaba haciendo con Soundgarden, de estas primeras intentonas salen ni más ni menos que "Say Hello 2 Heaven" y "Reach Down".

No tarda el frontman de Soundgarden en contactar con los antiguos colegas de Wood en Mother Love Bone, Stone Gossard y Jeff Ament, para plasmar ideas que le seguían rondando por la cabeza y probar, sin ningún tipo de presión discográfica, si podían completar un album en toda regla aportando estos últimos también ideas al proyecto de Cornell. Matt Cameron, muy acertadamente, se les une a la batería y el futuro guitarrista de Pearl jam, Mike McCready, completa la formación como guitarra solista.

Estaba claro que el material que estaban extrayendo era muy intenso emocionalmente por la fatídica situación que generó el proyecto pero musicalmente considero que es uno de los discos clave de principios de los noventa (y de toda la década de los 90) por tener unas canciones que, a día de hoy, han pasado la prueba del paso del tiempo y se han convertido en himnos inmortales incluso antes de que Soundgarden y Pearl Jam explotasen meses después a nivel masivo.

Eddie Vedder fue el último que se unió, casi de forma anécdótica, al combo ya que realmente fue a hacer una audición a Seattle para Mooky Blaylock, o lo que es lo mismo, los futuros Pearl Jam. Acabó haciendo coros en "Pushing Forward Back", "Your Saviour" y "Four Walled World" para cristalizar su colaboración con la icónica "Hunger Strike" en un dueto sin igual con Chris Cornell que casi fue improvisado para ver como Vedder se defendía sin ningún tipo de orden o directriz. No hace falta decir que lo bordaron pariendo una de las canciones más reconocidas del disco por su fuerza e intensidad creativa y emocional.

Tanto "Say Hallo 2 Heaven" como single más reconocido (y uno de los más hermosos del disco) como "Reach Down" ya te dejan absolutamente k.o.. Vemos un registro tan distinto de Cornell a nivel de interpretativo que cualquiera diría que quedaban meses para la publicación de la locura de disco que es y supuso "Badmotorfinger" pero el cantante estaba afectadísimo a la par que muy lúcido a nivel creativo para salirse de la locura garajera y pesada de Soundgarden. "Reach Down" me parece enorrrrrme con esos once minutos de improvisación, blues distorsionado y armonías sorpresivamente soul.

De "Hunger Strike" únicamente añadiré lo mucho que me recuerda el riff que pasa a electrificar la composición a los Alice In Chains de "Facelift", por lo demás, triste belleza hecha canción.

De las emociones y los sentimientos a flor de piel pasamos a la composición más urgente y punk del disco en la que Gossard y Ament meten baza, así es "Pushing Fordward Back". El final es un verdadero desafío vocal para la privilegiada garganta de Chris.

"Call Me A Dog" se embellece y nutre del piano de Rick Parashar (coproductor del disco). Una canción para escuchar bien jodido pero con la fuerza necesaria para llegar al final del tema sin que se te hallan saltado las lágrimas. Los alaridos de Cornell, de nuevo, son antológicos y el sólo de McCready acojonante.

En la línea del anterior, emocionalmente extrema y evocadora, se abre "Times Of Trouble" que con "Four Walled World" cierran una trilogía de temas oscuros y deprimentes. En "Times..." no puedo parar de recordar el "Sap" de Alice In Chains con esas acústicas tan cuidadas. De hecho fantaseo en estas recientes escuchas con la remota posibilidad de que la hubiese cantado el mismísimo Layne Staley, la superpongo, la evoco, la siento, no tengo remedio, es así. La armónica final me despierta del sueño con Staley para acabar el tema con un 'crescendo' mágico a nivel vocal e instrumental (grande Matt Cameron). Con "Four Walled World" siento claustrofobia, os lo aseguro, pero eso no quita que bajo el estado depresivo que emana de cada surco de la composición no fluya un halo de esperanza vital y alocada. Todo un viaje al centro de tu alma y otra vez Matt Cameron luciéndose.

"Wooden Jesus" no deja de ahondar en la temática religiosa y crítica que gustaba mucho de explotar el amigo Chris en el inminente "Badmotorfinger". Un tema melódico y hermoso en donde la garganta del cantante descansa para mostrarse deliciosamente contenido y acariciado por el soul.

"Your Saviour" es el último tema enérgico del disco con un riff muy pegadizo y trotón y que vuelve a mostrar esos preciosos 'crescendos' armónicos e instrumentales de los que presumen casi todas las canciones de "Temple Of The Dog".

"All Night Thing", esta vez sí, el tema que cierra este pedazo de alma, relaja el final del viaje con ese órgano omnipresente dando el protagonismo absoluto a Cornell como merecido fin de fiesta, relajado, sugerente y precioso en su interpretación vocal.

¿Se puede pedir más a un disco de estas características?....clarísimamente no!, pero el morbo que produce saber que meses más tarde serían ídolos de masas y que marcarían a toda una generación ya es suficiente para cualquiera que no se halla acercado a un album con temas sencillamente perfectos paridos desde lo más profundo de las entrañas y teniendo al cantante de Mother Love Bone muy presente en el corazón de Cornell, Gossard y Ament.

Andrew Wood seguro que lloró en el cielo o en el infierno con el trabajo de sus amigos.

PD: No os perdáis los tres videos, sobre todo el segundo y el tercero porque la emotividad se apodera tremendamente de uno al visionarlos.








SIDONIE "EL FLUIDO GARCÍA", EXQUISITA PSICODELIA CON ALMA DE ROCK'NROLL


Ya sólo por los dos climax instrumentales que tienen los dos primeros temas del último disco de Sidonie, "El Bosque" y "A mil Años Luz", merece muy mucho la compra de "El fluido García". Y es que, podría afirmar sin temor a equivocarme, que ¡los Sidonie vacilones y poéticamente deslenguados están de vuelta!. Pero no son sólo los únicos temas válidos porque el disco, en su totalidad, nos teletransporta de nuevo esas atmósferas bohemias y a esas sonoridades psicodélicas que también supieron plasmar en "Shell Kids" e incluso "Fascinado" (en menor medida).

Tras dos discos, "Costa Azul" y "El Incendio", que me decepcionaron bastante (sobre todo este último y del que no pasé de la primera escucha) nos llega "El Fluido García" lleno de psicodelia bien entendida, distorsión guitarrera y desparpajo sonoro, porque esto último es lo que se había perdido en los dos discos que cito arriba de este párrafo, EL DESPARPAJO. Los de Marc Ros se perdieron en una búsqueda de la canción Pop más básica no se si con intención de cambiar de aires o con otra intención más, digamos, interesada en su búsqueda de llegar a más público. Bien, al menos esto último lo consiguieron porque nunca llegué a pensar que escucharía a Sidonie en Carrefour, en Perfumerias o incluso en párkings de edificios públicos. Pero estos no eran Sidonie, de hecho les perdí la pista bien pronto pensando en que les había perdido para siempre y me hice con su recopilatorio "La estación de la Libélula" para tener a Marc, Jesús y Axel como siempre los había querido recordar.

Y bien, esto ha cambiado!!, vaya si ha cambiado!. En líneas generales, la psicodelia se ha apoderado de la banda, más bien la ha sodomizado porque hay pasajes instrumentales que son una verdadera delicia para aquellos que amamos "Sidonie Goes To London" o "Sidonie Goes to Moog" pero es que el rock'n'roll también ha tomado su lugar aquí con riffs más que rockeros y distorsiones que ensucian más si cabe el resultado final.

En cuanto a las letras, la lírica exquisitamente surrealista ha vuelto a funcionar a pleno rendimiento y las musas han llevado en volandas a Marc Ros con frases bellísimas a la par que jodídamente crípticas. ¡No pasa nada!, el imaginario visual que te producen las repetidas escuchas es infinitamente rico y eso se había perdido completamente con el aburrido "El Incendio".

El disco no puede abrirse de mejor manera con "El Bosque", temazo adictivo y bailable del que vuelvo a destacar ese clímax instrumental al final del tema con esa guitarra distorsionada como si Sidonie estuviese haciendo una declaración de intenciones en toda regla con el disco que se abre.

"A Mil Años Luz" se convierte en una composición preciosa, muy evocadora y se deja acariciar 'quasi' por el 'Space Rock'. En mi opinión el tema bandera que define a la perfección la nueva reencarnación de la banda. El final es para quitarse el sombrero...WOW!

"Carnaval" es otro tema jodidamente irresistible en donde la percusión hindú nos vuelve a retrotraer a aquellos Sidonie de hace una década. El estribillo no puede ser más vitalista y efectivo "...hoy es carnaval, todos a bailar, hoy es carnaval, todos a volar..". Una vacilada vestida de psicodelia de las que ya se hechaban en falta.

Saltándome la surrealista y rítmica "Alma de Goma" quiero centrarme en "Negroni", el tema cazurro y con más desparpajo del disco. El tema ROCK'N'ROLL del album poseido por guitarras envenenadas, un bajo enfermizo y unos sitares que corrompen la composición de una manera sublime. Mi tema favorito, sin duda.

Con "El Aullido" la tristeza y la melancolía se apoderan de nuestros poros sirviendo de antesala a la mini-sinfonia "Bajo un cielo Azul (de Papel Celofán)", un tema compuesto de cuatro pasajes en donde Brian Wilson (Beach Boys) planea a sus anchas en 'Cantata' para entrar en un mundo de muertes dulces, champán francés y lecturas más que interesantes en un mundo de ficción. Una obra maestra en toda regla en donde Marc Ros se ha lucido lo suyo.

Destacaré también mi segundo tema favorito del disco "Perros", frases como 'Estás hermosa al lado del desecho industrial. Tan flaca, tan viciosa y sin collar.' son puta poesía urbana y lo demás cutreces 'snob'. El corte de esencia más punk que jamás hallan hecho los de Barcelona.

Y si de Punk hablamos no puedo dejar pasar la tradicional canción que Jesus Senra siempre cuela en los discos de su banda, "La Huida" y que esta vez le ha salido más desenfadado y con más mala leche que nunca. Adoro el pasaje venenoso y enfermizo que se han currado con esa guitarra más ácida que un limón antes de afrontar los últimos versos del tema.

"No Mires Atrás" pasa por ser el tema más discreto pero no por ello exhento de fuerza, quizás porque me pueda recordar a su disco anterior a nivel de guitarras.

Querida Pupilandia os haréis un favor si os hacéis con este disco. Para todos aquellos que flipábamos con el gamberrismo psicodélico de los primeros tiempos de Sidonie y que adoramos los versos retorcidos y crípticos del último Marc Ros, tenemos mucho que disfrutar aquí a pesar de que todo, todo, sea una ficción.


YA QUEDA MENOS PARA LOS PISTOLEROS....

...pero también para The Small Faces, Freddie King, Beastie Boys y Red Hot Chili Peppers (...???). El morbo está asegurado, las pistolas bien cargadas y el duelo al amanecer preparado con un sol realmente cegador. ¿Se batirán en duelo Slash y Axl encima del escenario y con el 'premio' en la mano o tendremos que ver a Slash y a Duff (y a Izzy y a Steven, valeee!) hacer acto de presencia a través de videoconferencia para no quitarle protagonismo a War A.Rose en el 'Saloon'?

Hagan sus apuestas!

OTRO ANSIADO COMEBACK, AFGHAN WHINGS!!!...¿DULLY SUPERANDO SU LEYENDA?

Pues sí, otro retorno tan cacareado como esperado, tan previsible pero tan necesario en los tiempos que corren. Si los 'comebacks' de Urge Overkill, Black Sabbath, Soundgarden, Faith No More, Alice In Chains, New York Dolls, The Stooges, The Who? y tantos otros despertaron y están despertando mucha expectación a nivel directo (la mayoría) y a nivel discográfico (tan sólo unos pocos), la reunión o la vuelta de Gregg Dulli con su banda madre, The Afghan Whings, no podía ser menos.

He tenido a esta banda completamente olvidada y en el limbo más de una década pero las noticias corren como la espuma y el ejercicio de desenpolvar los viejos (y sagrados) discos de esta banda se va a hacer necesario ante la morbosa posibilidad de que los de Dulli nos deleiten con una nueva colección de canciones que estén a la altura, no ya de la leyenda, pero sí de su nombre. Dulli ha negado tantas veces la reunión como ha dejado entrever otras tantas que podría existir esa posibilidad...aunque siempre bajo un punto de vista muy remoto (...)

De momento ya tienen dos fechas confirmadas en dos ATP's (el londinense y el americano) y en el Primavera Sound barcelonés por lo que, al menos de momento, nos hace albergar esperanzas sobre un nuevo album ya que su vuelta no parece ser algo anecdótico sin más ya que van a ser cabezas de cartel en el Primavera Sound y en uno de los ATP's el mismísimo Gregg se ha ocupado de escoger gran parte de las bandas que participarán.



Me vuelvo a poner nerviosito de nuevo ante una de las noticias (se dió en diciembre del pasado año) y retornos de este 2012. Siempre adoré "Gentlemen", siempre sentí la dolorosa belleza cinematográfica de "Black Love" y pude disfrutar sin ningún tipo de pudor del cambio más optimista y funk que supuso "1965". Es hora de volver a quemarlos de nuevo porque aquella intensidad que desprendía la banda y en concreto la entrega vocal y escénica de Dulli se ha repetido muy pocas veces. Con una personalidad y un carisma tan definido redefinieron el soul rock bajo un punto de vista alternativo (odio este término pero en "Congregation" fué así) para pasar a remover brutal y emocionalmente el alma herida con esas letras tan especiales y esa música como perfecto exorcismo de los demonios de Gregg Dulli.

13 años han pasado y ahora 'el milagro' lo tenemos a la vuelta de la esquina, trece años en los que el cantante ha dado más palos de ciego que aciertos discográficos plenos, trece años que no sentíamos esa sensación de angustia y redención desahogada a través de discos absolutamente maravillosos.

HUEY MORGAN (Fun Lovin' Criminals) Y EL LIBRO "LOVEMUSIC,LOVEFOOD: The rockstar cookbook"

El pasado mes de Diciembre, en concreto el día 11, y en paralelo a la actuación en directo que os cuelgo de Fun Lovin' Criminals, se presentaba este curioso libro "LOVEMUSIC,LOVEFOOD: The rockstar cookbook" con la colaboración especial de Huey Morgan de Fun Lovin' Criminals. El libro está publicado bajo la supervisión de un famoso periodista musical, Andrew Harrison y de una especialista en cocina rockera, Sara Muir, sobre los conceptos de la cocina renovada de un tal Patrice de Villiers.

Tanto nombrecito anónimo para vosotros y para mí la verdad es que no tienen la mínima importancia pero me parece un libro interesantísimo basado en las entrevistas a sesenta músicos relacionados más o menos con el rock que, a través de entrevistas personalizadas y recetas propias, nos confiesan cuáles son sus gustos culinarios a la hora de sentarse en un restaurante o prepararse una comida casera cuando el tiempo y las giras les dejan tiempo para enfrentarse a una sartén o a un surtido variado de verduritas.

La portada, todo hay que decirlo, ayuda muchísimo para vender el producto recordándome horrores a una Joan Jett despendolada y rematadamente sexual. Esta publicación tiene como objetivo el recaudar fondos para los niños y adolescentes que padecen cancer a tan temprana edad (recordaros que se publicó justo antes de Navidad, y eso ayuda) y el amigo Huey, que ha padecido muy de cerca esta enfermedad en su familia pero también con amigos comunes, no tardó mucho en sumarse confesando algunos de sus platos favoritos como el sandwich tostado de queso americano (Grilled American cheese sandwiche), la pizza o la limonada especial de San Pellegrino (San Pellegrino Limonata). Joder! la verdad es que pensaba que este tío se pegaría 'el moco' eligiendo platos muchos más sofisticados y glamourosos pero el tio Huey siempre ha sido muy 'Cosa Nostra? y aquí queda demostrado, que no?.

En fin, un libro que cubre otra parte, por qué no decirlo, en cierta manera morbosilla sobre nuestros héroes rockeros favoritos, sobre lo que les gusta jalar, sobre lo que les gusta pedir en el restaurante más caro de la ciudad, sobre lo que les han servido en cuchitriles de carreteras perdidas pero que les ha sorprendido por su excelente y excesiva carga de grasa y aceites varios, en definitiva, sobre lo que sus estómagos castigados por diversos alcoholes y sustancias poco saludables para su salud les deja tolerar cuando no están en presentaciones, fiestas o bacanales sexuales.

UNA FRIKADA.


JULIE MICHAELS CALENTANDO A SWAYZE EN "ROADHOUSE"

Hacía tiempo que no os deleitaba con uno de esos bailes 'hotty' que tanto gustan de aparecer por aquí. Le ha llegado el turno a la gatita de Julie Michaels en su rol de stripper en "Roadhouse" ("De profesión: Duro") de 1989.

Si la música de los años 80's en absolutamente reconocible a nivel comercial considero que todavía más es el cine 80's con claros ejemplos como "Regreso al Futuro", "Indiana Jones" o "Rocky IV" por citar tres taquillazos. No se qué se le tuvo que pasar por la cabeza a Patrick Swayze para acceder a rodar esta película tras el exitazo de "Dirty Dancing" pero supongo que Patrick se quiso quitar de un plumazo la imagen de 'duro románticon' de Johnny Castle rodando un bodrio 80's, con cutres coreografías de peleas, una nula habilidad para las artes marciales para parecer minimamente creible y una forzadísima e impostada imagen de duro con espíritu 'tai chi'. La verdad es que la peli (no ya sólo con respecto a 'mullets', peinados y vestuario) se ha quedado desfasadísima aquejándose de un pupurri de 'tics' de la época que hoy en día sólo aguanta el cinéfilo frikie de turno y poco más.

...¡Pero no estamos aquí para hablar de Swayze! ¡Estamos para hablar del calentorro bailecito que se marcó el bombón rubio de JULIE MICHAELS!!. La verdad es que esta mujer siempre intentó salirse de sus papeles de rubia tonta o de 'bombón sexy' pero no consiguió nada más allá a nivel significativo que knockear a Keanu Reeves en "Le Llaman Bodhi", matar a Jason en una de tantas secuelas de viernes 13 ("Viernes 13 IX: Jason se va al infierno") o colaborar en algún que otro personaje de "Mujeres Desesperadas". Una pena, la verdad, porque si todos los papeles hubiesen estado al nivel de la calentorra zorrita (Denise) que intenta seducir a Dalton (Swayze) y no hubiese aceptado cualquier papel sin demasiada sustancia podríamos estar hablando de una actriz muy versátil y no sólo lo digo por sus contoneos físicos.

EnlaceCentrándonos en el baile, no voy a destriparos nada por si no lo habéis visto o no lo recordáis porque tan sólo vísteis la peli en aquella época. Julie se luce de la hostia realizando un bailecito que bien podría competir con el de Salma Hayeck en "From Dusk Till Down". Muy bien llevado, muy bien coreografíado, se nota que esta mujer tenía tablas en el baile (no ocurre lo mismo con los torpes movimientos marciales de Patrick) y en las pasarelas porque la erótica que desprenden todos y cada uno de los contoneos es de traca tanto vestida y rodeando al mismísimo Jeff Healey, semidesnuda con sombrerito o enseñando cacha cuando al final es 'rescatada' del escenario por el durísimo y frío Dalton. La temperatura para quién la vió en pantalla grande, y es mi caso, subió irremediablemente rompiendo cualquier termómetro de la libido.



Julie Michaels se ganó el cielo para mí con esa mirada de gatita en celo, con esos movimientos milimétricamente preparados para epatar los más bajos instintos y con esa sexualidad que supo darle al personaje dotándole de esa atracción fatal que 'Denise' necesitaba.

Y ahora....AL ENLACE!!!!!!

http://www.dalealplay.com/informaciondecontenido.php?con=187414

RECKLESS LOVE "ANIMAL ATTRACTION", EL AZÚCAR 80'S EN PLENO S. XXI

Después de sesiones poeticamente arrebatadoras dentro del mundo onírico de Tori Amos hay que refrescar un poco la mente y la libido con cosas más sencillas y apegadas musicalmente a las guitarras y emocionalmente centradas en relaciones más o menos serias, más o menos guarras con novias, 'groupies' o directamente guarrillas que se pasean por los backstages de las estrellas de turno.
Esta ha sido mi dieta a la hora de escuchar "Animal Attraction" de Reckless Love, escuchar de forma seria y muy centrada a la Amos para acabar relajándome con los de Olly Hermann. Ya tenía este disco en la época que comenté "Balls Out" de Steel Panther pero no quería tener la sensación de comparación en todo momento, sobre todo tras los comentarios de la gente tras hacer la reseña. Me limité entonces a darle alguna escucha aislada sin intenciones analíticas y a disfrutar sin más.

En aquellas primeras escuchas se me quedaron clavados irremediablemente "Animal Attraction", "Hot" y "Dance" pero la impresión que tuve del disco es que era mucho más limpio y menos guarro que el de Steel Panther y que era mucho más artificioso a la par que excesivamente meloso con respecto a "Balls Out". Sí, tenía himnos tarareables y bailables a más no poder, baladas 'hard' que podían provocar deshidratación por lo baboso de su temática y reivindicación total y absoluta de bandas como Def Leppard, Van Halen, Europe o Bon Jovi pero no me acababa de gustar tanto como el disco de la portada 'de las bolas'.

Y bien, ¡sigue sin gustarme tanto como el disco 'de las bolas'! pero he acabado aceptando esa temática tan trillada sobre el amor y las chicas que tan bien defendían grupos como Poison y, sobre todo, este disco, a nivel musical, cada vez me gusta más y parte de culpa la tiene de nuevo....mi hija!!. Me explico, que lleves "Animal Attraction" de fondo en el coche, con un volumen razonablemente bajo y que sin incitar ningún tipo de gesto o de baile se ponga a tararear "hot-hot-hot.." del tema "HOT" o que haga lo mismo con "rock-rock-rock, rock'n'roll"pero moviendo tímidamente la cabeza y los brazos, quiere decir que estas canciones podrían gustar a cualquiera y que su sentido pegadizo y extremadamente tarareable no son un espejismo en pleno siglo XXI. Me emocioné en aquel momento. Se repitió en varias ocasiones, lo juro.

Con respecto a las canciones, si bien "Animal Attraction" y "Young & Crazy" son las excelentes Def Leppardadas del disco que harían levantar estadios y cementerios enteros, el disco tiene momentos menos afortunados que coinciden con el 'azúcar' y 'la baba' en medios tiempos tan mortalmente ochenteros como "Fantasy", "Dirty Dreams" o "Born To Break Your Heart" pero que son irremediablemente adictivos con las escuchas, os lo aseguro.



Los dos cañonazos comercialoides como lo son "Hot" y "Dance" han salido, para mi gusto, acertado el primero y 'casi' fallido el segundo ya que, "Hot" no se quiere separar del 'aor' guitarrero mientras que el segundo experimenta un híbrido rockero-discotequero que no me acaba de gustar del todo con esa guitarra filtrada que le da mucha frialdad a un tema tan intencionadamente pegadizo.




Los temas más Mötley Crüe y que ahora son los que más me gustan son "Speedin'", "Switchblade Babe" y "Fight" quizás los temas más sucios y hard rockeros que ponen un poco las pilas a las cojonudas guitarras de 'PEPE' que quizás pasen un poco más desapercibidas en los temas más melódicos pero que son una pasada, sobre todo en todos y cada uno de los solos que se marca en todo el disco. Un tío a reivindicar de todas todas, prestadle atención porque toca muy, muy bien.

Acabaré con "On the Radio" con un acercamiento sospechoso a la comercialidad bien entendedida y los himnos de estadio del Bon Jovi 80's y con la mutación Van Halen que supone el divertido y desenfadado tema "Coconuts". Un tema que te provoca sin querer una carcajada en el alma y un buen rollo cuando hay momentos en el día que necesitas una inyección de optimismo y vitalidad.

"Animal Attraction" otro disco que supera la parodia de una época y que reivindica por encima de todo la melodía y la comercialidad en el rock'n'roll sin plagios, sin burdas copias sin sustancia y con un futuro muy prometedor si ensuciasen un poquito su sonido y metiesen más cerdadas en sus virginales letras.

UN RITUAL SANGRIENTO QUE SALVE A TONY IOMMY, PLEASE!!!

Todo el mundo rockero sabe ya la desgraciada noticia del cáncer que se le ha diagnosticado al 'Lucifer de los riffs', Tony Iommy. ¿Por qué ahora?. Justo en el momento en el que la banda resurge de sus cenizas con las expectativas puestas en una gira mundial de infarto y en su esperadísimo nuevo trabajo un mazazo sin igual a golpeado al mundo rockero y a este grandísimo creador. Realmente esto tiene que joder sobremanera, no sé a ciencia cierta si esto ya venía rondando y Tony ya lo sabía pero no quería estropear la noticia del comeback de Sabbath o si realmente los acontecimientos se han precipitado coincidiendo su vuelta al candelero musical con esta putada de enfermedad.

Desde luego que no se tiene que estar sintiendo a gusto pero es que todos los que amamos su música, sus riffs, su sonido y sus discos y que ahora estábamos babeando sobremanera sobre su vuelta y sobre cómo podría sonar un disco de la formación clásica en pleno S. XXI nos encontramos estupefactos, jodidos, desencantados con lo que le pueda pasar y con cómo se desarrollarán los acontecimientos a partir de ahora. Se rumorea que el estudio de grabación o que la grabación misma se ha trasladado a la misma casa del guitarrista para hacer todo lo cómodo posible el trabajo del genio.

Ya lo he comentado en alguno de los blogs que nos dieron en exclusiva la noticia, Tony Iommy debería hechar mano más que nunca de sus contactos con el infierno y de sus diversos pactos con el demonio para que la enfermedad remita de una manera sana o 'insana' pero que remita al fin y al cabo. Que recurra a hechizos varios, a cultos de lo más oscuros o a rituales de lo más sangrientos por el bien de su persona y de su música. Todo en este momento es válido para una persona cómo el. Llamadme fantasioso o rallado pero no me estoy rallando en absoluto pues sería muy injusto que un genio musical como él nos dejase en este justo momento como ya lo han hecho muchos otros de manera casi sorpresiva.

Tengo el miedo metido en el cuerpo como muchos de vosotros, sobre todo tras haber soportado la horrible desaparición y ausencia de un pequeño GRANDE como DIO pero es lo que hay. No sé si prepararme para lo peor siendo agorero o armarme de valor y esperanza y esperar a que el 'milagro negro y tenebroso' se produzca para que Tony Iommy se quede con nosotros por los siglos de los siglos como Mc Cartney, Jagger o Richards (es un decir).

Disfrutad del maestro de maestros en uno de sus rituales sangrientos más conocidos ultimamente, el 'rock'n'roll hall of fame' de 2005.

TORI AMOS "NIGHT of HUNTERS", LA NUEVA PIEL DE UN PIANO.

Se me hace complicado hablar de los últimos discos de Tori Amos, no sé, pienso que hay que tener y estar en un estado mental y anímico especial para acometer una opinión más o menos fundamentada. Y es que, acostumbrado como está uno a guitarrazos, letras que muchas veces no son demasiado intelectuales y la actitud 'party all night long' y cock rocker de la mayoría de tus héroes es realmente complicado pasar un tiempo alejado del rock'n'roll más sucio y callejero.

Pues bien, este tiempo navideño no sólo me ha dado para escuchar el disco de Scott Weiland, no, nada más lejos de la realidad, me ha proporcionado el estado emocional óptimo para escuchar "Night Of Hunters" sin apagar el mp4 o el reproductor de turno antes de llegar a la mitad de disco como me estaba pasando últimamente con sus últimos lanzamientos "American Doll Posse" y "Abnormally Attracted To Sin". Incluso con "The Beekeeper" ya empezé a experimentar esa sensación de aburrimiento (aunque menos) por saturación lírica, linealidad y excesivo minutaje debido a que todos ellos contaban con casi veinte canciones. Demasiada producción y exposición podían agotar el chorro compositivo de esta mujer pero nada más lejos de la realidad ya que sigue siendo fiel a su cita discográfica cada dos años más o menos.

La nueva aventura ha tenido que ser todo un reto para la pelirroja Amos porque a través del hilo argumental de una relación rota, una musa infantil 'Annabelle' emergida de la naturaleza y del concepto de 'cazador' y 'cazado' que no pueden existir el uno sin el otro se estructura de nuevo una historia conceptual que la artista gusta mucho de plantear en su últimos trabajos. La novedad y el verdadero reto viene de la mano de la parte instrumental ya que el piano pasa a ser un acompañante de lujo entre violines, violas, oboes y contrabajos planteando, en todos y cada uno de los catorce cortes, variaciones de temas clásicos de Chopin, Schubert, Schumann, Bach y Debussy entre otros.

La artista se ha hecho acompañar en su primer trabajo para Deutsche Grammophon por un cuarteto de cuerda 'Apollon Musagète' además de tener oboe, flautas y clarinetes presentes en varios temas. ¿Y qué podemos esperar de tanta instrumentación y un concepto clásico tan claramente planteado?...¡Pues que lo ha conseguido!!. Lo digo con toda sinceridad pupilos. Me tomé este disco con muchas reservas lastrado por los aburridos (en muchos momentos) trabajos anteriores pero he vuelto a ver 'la luz de Tori Amos' a pesar de no ser un disco nada fácil y de insistir en que el estado emocional óptimo es clave para saborear de verdad un disco tan bello y hermoso como el que os planteo.

Vocalmente es absolutamente impecable con la novedad refrescante del alter ego 'Annabelle' como musa que emerge de la naturaleza para exorcizar los demonios interiores de la protagonista y que no es ni más ni menos que Natashya Hawley, la hija de once años de Tori Amos. Temas como "Snowblind", "Cactus Practice" o especialmente "Job's Coffin" (con Natashya cogiendo el testigo protagonista) son hermosos ejemplos en donde las voces se 'empastan' a la perfección en un certero cruce entre el clasicismo de la linea vocal de Tori y el sonido más pop del registro vocal de Natashya.

Con respecto a las demás composiciones la exquisitez y el buen gusto se impone con pasajes más tenebrosos y tristes caso de "Star Whisperer" o "The Chase" o la magia compositiva de la gran "Battle Of Trees" o de la no menos preciosista y extrañamente breve "Nautical Twilight".



El final del disco es bastante variadito con el toque operístico de "Night Of Hunters" y la colaboración de la que se hace llamar en el concepto del album 'musa del fuego', Kelsey Dobyns. "Seven Sisters" es el tema instrumental del disco con un comienzo estremecedor con ese piano de Tori 'in crescendo' y ese clarinete siendo el protagonista absoluto del tema.

El cierre del album se queda para "Carry", uno de los temas más cinematográficos de "Night Of Hunters" en donde los sentimientos vuelven a aflorar por enésima vez a flor de piel para constatar que Tori Amos sigue siendo una de las mejores especialistas en tocarnos la fibra más sensible.



Para finalizar destacaré el bonito diseño del libreto del CD-Book y de lo cuidada que sigue siendo la presentación visual de sus bellísimas instantáneas. Todo Poesía, todo pasión. Esto sigue siendo Tori Amos.

BLACK STONE CHERRY "BETWEEN THE DEVIL AND THE DEEP BLUE SEA", ¿CONTINUIDAD PREDECIBLE O NO?

Uno de los últimos discos que había querido escuchar antes de haber dado carpetazo a mi 'top 10' de este 2011 es el disco de Black Stone Cherry "Between The Devil And The Deep Blue See". La sensación que se me queda tras las diversas escuchas que llevo ya es casi la misma que la de su anterior disco "Floklore & Superstition". Sí, es un disco muy compacto, de sonido muy rocoso en los temas más potentes a la par que melódico y comercial en los momentos más reposados pero, no sé, tengo la sensación de que el primer tema de este disco "White Trash Millionaire" es como si fuese el corte 14 de "Folklore &...".

No me entendáis mal, el disco es muy disfrutable, las melodías aquí están más marcadas y matizadas que nunca y con las escuchas llegas a la conclusión de que es un disco más equilibrado en todos los sentidos y con un enfoque más comercial que el anterior pero, no sé, este disco no se va a encontrar entre mis diez primeros supongo que lastrado por la resaca y el sorpresón que me ha producido el potente y cojonudísimo disco "Revival" de los de Cormac Neeson. Es lo que tienen las resacas, recuerdas los buenos momentos vividos antes del 'bajón' y soportas como puedes 'el veneno' que hay en tu cuerpo hasta que lo expulsas. Para explicarme mejor, tengo "Between..." al lado de "Revival" y al lado de "The Hunter" de Tori Amos en mi mp4 y, qué queréis que os diga, acabo siempre 'reviviendo' y muriendo al disco de los irlandeses sin que por ello se deje escuchar enterito y 'de tirón'.

Lo que si veo es un ataque descarado (aunque sin venderse) al mainstream musical, una intención cada vez más clara de llegar a más público y un objetivo claro, clarísimo que es el de colocar baladas-gancho y algún tema de lo más asequible y festivo en las listas, siempre dentro de esa personalidad tan marcadamente 'southern hardrockera'.

Los temas que más me llaman la atención sin encontrar (como ya digo) nada nuevo son los explosivos y pegadizos "White Trash Millionaire" y "Killing Floor" con la sombra de Tony Iommy rondando claramente por los trastes de las guitarras, el destructivo a la par que melódico "Such A Shame" o el muro guitarrero y sureño de "Let Me See You Shake".



El tema más tarareable y que sin duda se te pega sin remedio es el bailable "Blame It On The Boom Boom" con ese potente sonido que inunda todo el track pero que se deja llevar irremediablemente por una melodía muy cachondona y sexual que hará las delicias de 'las fans' (o no) en los bolos de la banda. El tema 'gancho' y bailable del album, sin ninguna duda y que triunfará sin remedio en comunión rockera con su público.



En el apartado melódico se podría decir que es el que más se ha currado la banda con todas la intenciones, en concreto el cantante y guitarra Chris Robertson. Medios tiempos y baladas de melodías tan cuidadas (pero también milimétricamente medidas) como "In My BLood", la destacada balada "Won't Let Go" o "Stay" están gestados para epatar en los charts más mainstream con la segura intención de 'haber si cuela'. Sí que haré referencia al precioso tema que cierra el album "All I'm Dreaming Of" con esas tímidas orquestaciones mezclándose perfectamente con sonoridades sureñas y banjos aquí y allá. Un acierto refrescante, todo hay que decirlo.

Los temas que no me dicen mucho por repetición de esquemas o por explotar simplemente un riff machacón y poco más son "Like A Roll" y "Change" basados en una base contundente pero que, en mi opinión, sirven de puente a otros temas más acertados o melódicos para compensar el ritmo del album.

Terminaré con el excelente cover de "Can't You See" de la Marshall Tucker Band. Otro de los cortes que más se me quedó desde un principio y que tarareo frecuentemente. Black Stone Cherry han hecho un trabajo estupendo llevando la canción a su terreno sin dejar de homenajear a algunos de sus héroes con todo el respeto. Chris está que se sale en su interpretación, su mejor tema tema a nivel vocal y armónico.

"Between The Devil And The Deep BLue See" un disco a descubrir que puede dejar algo escocidos a sus 'die hard fans' pero que dejará muy complacidos a las nuevas generaciones con la mezcla perfecta de potencia, melodía y 'hits' sin dejar completamente de lado su característico deje 'southern'. Esperaremos a su nueva entrega para ver las verdaderas intenciones de la banda.

REGALITO DE REYES: HELENA ANTONACCIO, 60'S PIN UP GIRL BLOND

El rey Baltasar es un pícaro, me ha dejado unas fotitos como regalo de reyes para que las comparta con todos vosotros. Me conoce, ya se lo dije, las pin ups 50's se empiezan a agotar en pupilandia y me recomendó muy encarecidamente que pasase ya a la de los 60's como es el caso de la estadounidense Helena Antonaccio.

Nacida el 21 de marzo de 1949 en New Jersey, fue la conejita del mes de junio de 1969 fotografiada por Pompeo Posar.

Helena, de 1.60 mts, tiene ahora 62 años de edad y estas fueron sus fotos para Playboy...¡quién lo diría! con esa belleza tan natural y desenfadada, casi virginal.